訪「現世代的莎士比亞」《李爾王》——無言的時代，想像力最可貴
（左起）黎玉清、鄧樹榮、彭珮嵐
繼2015年《馬克白的悲劇》首演後，以「前語言」表演體系及形體劇場為人熟悉的鄧樹榮，其戲劇工作室籌劃的「現世代的莎士比亞」，再次製作兩個全新的莎劇作品，作為香港國際莎劇節的序幕，其中鄧樹榮本人導演的《李爾王》，更以全女班無言劇的方式重新演繹經典，從另一個角度思考與感受這部莎劇名著。當角色變成了單一性別，對白台詞也全被抹去，前語言的運用為戲劇帶來更多想像空間，也嘗試回應社會引發共鳴。在這個無聲勝有聲的年代，如鄧樹榮所說，想像力是我們賴以生存的核心，也是作為一個人的最可貴之處。
深入經典，反映當代社會
致力探索不同劇場表達形式的鄧樹榮，這次選擇以全女班及無言劇的方式，重新演繹莎士比亞名著《李爾王》，就連導演本人亦坦言，「比以前任何導過的戲都要複雜」。一個包含男角和女角的戲劇，全由單一性別來演繹，鄧樹榮說當初會有這個想像，全是靈機一觸而衍生的念頭。「原劇本是講述李爾王與三個女兒的關係，用上很惡毒的語言鬧兩個女，女性在莎士比亞筆下是被詛咒的。不過今日講性別，不再侷限於生理上的分別，如果將所有角色女性扮演，又會怎樣？全女班與男女共演的分別是，有些本身非男性做到或關注的東西，由女性演繹，對角色和關係可產生多角度的想法。」至於無言劇的表演形式，在鄧樹榮過去執導的作品，例如《打轉教室》、《舞．雷雨》、《泰特斯2.0》等，其實也曾先後應用，但破天荒以無對白的方式，將本來長達四個多小時的莎劇，濃縮至個半小時的演出，鄧樹榮形容是個實驗，也是很大膽的嘗試。「李爾王的大女婿Albany（奧本尼公爵）說過，人去到最深層的感受，是不會說話的，這次用上全女班，並將話劇無言化，由這兩個起點建構整個創作，看看深入這部經典的作品，能否更好地反映當代社會。」累積以往的創作經驗，鄧樹榮自覺對掌握前語言的運用愈漸純熟，這次以無言劇來演繹莎士比亞名著，一方面秉承劇場探索的實驗精神，另一方面也是創作上的挑戰。「經過之前幾部戲，自己覺得掌握由對白引發的情感而進入的關係或意象描述，無論在過程與肢體上，更加能夠睇得透，也更為得心應手，希望當中能有部分成功，或對觀眾有所啟發。」
作為鄧樹榮的常用演員班底，曾經參與《泰特斯2.0》的彭珮嵐（Ivy）與黎玉清（阿清），對無言劇的演繹方式自然不會陌生。然而，當莎劇的對白台詞完全被抹去，對於演員來說亦是挑戰，劇中飾演葛羅斯特伯爵私生子愛德蒙的阿清，認為箇中的關鍵，是每個細節都要夠精準。「當演員比較擅長的『講嘢』沒有了，語言和動作都很需要靠內在來支撐，點樣行、點樣做要好精準，當然很容易欺騙到自己和觀眾，但演員要確實看得清楚，自己究竟在做些甚麼，否則不知道每個動作的意義。」在鄧樹榮導演的另一部莎劇《馬克白的悲劇》，阿清曾分飾馬克白與其夫人，這次全女班演出的《李爾王》，再以女性角度來呈現男性角色，她覺得兩者的演繹方式也有所不同。「之前在《馬克白的悲劇》，我是真的演繹一個男人，但這次我飾演原本是男性角色的私生子，卻不需要如此演繹，生理性別之差對，今次沒有太大影響。」
如何在語言之外，透過形體動作將原作劇本昇華，也是演員給自己的功課。從《泰特斯2.0》到今次演出《李爾王》，過程歷經將近十個年頭，Ivy形容有些感覺已入了血，從中亦發掘到前語言的更深層意義。「記得有次到羅馬尼亞，觀眾聽不懂廣東話，但他們的反應卻很有趣，說從眼神入面那層看到我們講述的故事。前語言的好處，是可以表達更複雜的事情，台詞可能沒有要求，但要著力搞清楚每個角色本質如何的立體性，非因為劇本所寫而表現某種惡毒，而是讓演員好好思考每個動作，在兩三秒間呈現內在的思想對抗。」
「今時今日的香港，最重要是有這個imagination」
沒有了言語的表達，演員在舞台上再微細的動作，都會對情緒與氣氛的帶動有所影響。如何令演員有信心可以甚麼都不用說，亦能呈現角色的內在感覺，是鄧樹榮導戲時經常思考的課題。「每次出場亮相，都非單單表達那刻的關係本身，而是有齊整個backup，肢體表達並非純粹肢體表達，還有背後的整體心理與精神狀態，否則不能表達得深入。」原著用五頁台詞交代的內容，要濃縮昇華至簡單三個動作，已能表達箇中人物的關係，如阿清所形容，時間的掌握必須很準確，鄧樹榮表示背後的重點，是要懂得組合不同前語言來運用。「單一前語言不能維持太長時間，所以要靠不同組合來產生不同image，舞台美學也要準確，例如打燈，非只要位置準確，還要幫助演員在沒有對白的狀態，層出不窮地豐富視覺與聽覺，透過聲響、音樂、燈光等，提升最適當的聯想空間，讓觀眾進入到戲劇。」劇本某些沒有言明的部分，亦因這次破格的表演形式，賦予導演和演員更多空間，透過想像力來填滿，並容許他們在劇作加入當代元素，為演出增添了其他可能性。「有些設計是回應當代issue，觀眾今日來看應該有所共鳴，當然這些東西各花入各眼，但我們覺得應該可以做到。沒有了語言，甚麼種族也能欣賞，就算沒有完整看過原著，大概知道故事內容，都會因此有所聯想。」
無言劇的精髓，在於前語言的運用。建基於過往的經驗，鄧樹榮嘗試更深入挖掘前語言的可能性，除了形體動作外，今次在《李爾王》裡，也加入了手語和私語（murmur）。黎玉清分享其中一幕，原著描述她所飾演的愛德蒙，以信件對家人挑撥離間，導演則改以murmur的形式來表達，藉此引發觀眾聯想更多。「導演抽取了那種挑撥離間的精神，那到底我在講甚麼，是否透過信件來表達，已不重要，想像空間也更大。」在無法表達與欲言又止之間，蘊含著一種模糊與曖昧，鄧樹榮說將這種表達方式放在劇場，無論是對劇作抑或人物關係，都有另一種層次的昇華。「當今社會已有很多無言的表達方法，非再只靠默劇，例如給又盲又聾的protractor language，美國有些地區的大學更發明了這種表演語言，相當powerful。在這部劇的某些處境，我們安排演員murmuring，表達的imagination卻很有趣，到底他們是否有具體說話想講但講不出口，抑或真的沒有說話講但好想講又卻非用語言講，這些模糊點可以令觀眾有所聯想。」
相隔九年，再次以無言劇的形式作表演，鄧樹榮認為在「有言」與「無言」之間，存在著很有機的互動關係，對他來說，關鍵還是在於能否透過這種藝術形式，向觀眾表達出一份意境。「任何藝術形式，包括文學、繪畫、舞蹈、音樂，最終也是講求同一種sense of poetry，說的並非詩歌，而是詩意，『意』這個字很重要，四百個觀眾看著同一件事，如何在他們的腦海產生各自的詩意，這是最核心的創作原則。與自己、團隊、觀眾分享的過程，就像繪製一幅畫，繪畫也是沒語言，是用動態的方式呈現由真人繪畫的作品。導演訓練的第一堂，正是如何將drama無言化，這次不過是還原最基本講故事的技巧。如果能用到無言的方式去傳達這個精神，藝術的滿足感是強大的。」
除了以全女班和無言劇的嶄新方式，這次重新演繹莎劇《李爾王》外，鄧樹榮也刻意抽走故事的時代背景，讓劇作不會局限於特定時空，使觀眾可以透過創作團隊建立的形象，從而產生更豐富的想像。「今天資訊太豐富，大家不會太留意細節，我們的目的是希望觀眾更專注看每個細節的發生。有些人聽到套劇冇嘢講，就已耍手擰頭，因為他們無法想像，但想像力是智人賴以存在的核心，也是人最可貴之處。如果我們還有imagination，人類就不會滅亡，今時今日的香港，最重要是有這個imagination。」
