近日M＋戲院上映陳上城導演的首部紀錄長片《只是影畫》，是為拍攝團隊以三年多時間訪問香港著名藝術家楊東龍的紀錄片，當中記錄了他於2021年在香港刺點畫廊舉辦個展「日課」的過程。搬金字塔的螞蟻認為若觀眾能夠理解文字和影像是兩個語言系統，而楊東龍不會用文字去解釋畫作的話，那麼觀眾便能察覺電影頻頻出現導演提問，而受訪者沉默問的畫面，是一種失效的言語溝通，二人是各自利用影像媒介去對話。

香港哲學學者張燦輝作為現象學家，認為「攝相」一詞更能精準表達英語「Photography」，結合現象學哲學理論，思考攝影藝術，在台灣再版作品集《攝相現象學》。臺南藝術大學副教授龔卓軍為他作序，認為他對於「為何要攝相、如何生產與使用相片」的關注，遠遠超過「如何拍出好相片」，而當中的相片形成了個人與集體記憶場域的脈絡。

自2021年由文藝復興基金會開展的「奪目影像」項目，不只是一個培育新導演的計劃，更希望可以打破類型、長度、主題和製作階段的限制，從創作到製作以至發行等方面探索各種新的可能性。尤其是在「鮮浪潮」被削資的今天，對於想加入電影行業的年輕一代來說，這個項目便顯得更為難得，因為它雖立足香港卻面向世界，盼能把本地的創意，通過影像語言連結國際。曾參與拍攝Netflix版《三體》的導演曾國祥，會擔任今屆的宣傳大使和競賽評審；早已衝出國際的他，仍不忘初心，期望能跟大家分享自己的經驗，繼續啟發電影想像。因為他相信：「每個人都有說故事的權利，不管是自己的別人的，或是這座城市的，只要我們活著就一定有不少動人的故事可以書寫，或是把它影像化出來。而香港從來都是一個充滿了故事的地方，只等待我們去發現。」

眾說紛紜可以令人一時迷惘，今次旅遊倒遇到一個例子，來到阿姆斯特丹，眼睛電影館告訴我，西洋鏡由英國數理學家威廉．喬治．霍納發明，分明記得前天在里斯本的青少年電影館，文字顯示西洋鏡的始創人是奧地利科學家西蒙．馮．斯坦普費爾，手頭上沒有百科全書可以翻查，一時又不方便上網叩問《維基百科》，難免興起「盡信書不如無書」的慨嘆，繼續走下去，對眼睛電影館的資料也有點存疑。公平起見，常設展覽「廣角鏡」倒是經過精心設計，縷述電影史前史，資料旁邊都有儀器示範，桌面的數碼熒幕又詳細解釋器材的結構，另外「捕影網」縱容觀眾追蹤電影，豆莢廂座讓觀眾看過經典片段後參加無獎競猜遊戲，綠幕容許遊人自拍後收入手翻書，寓教育於娛樂，既然踏在荷蘭土壤，不如借眼睛電影館作銀燈，一照荷蘭電影的風采。

由許鞍華執導的紀錄片《詩》今日正式上映，《詩》共分為三個部分，第一部分短訪淮遠、飲江、鄧阿藍、馬諾，談詩是甚麼；第二部分篇幅最長，專訪黃燦然及廖偉棠，談他們對詩的態度；第三部分短訪年輕詩人黃潤宇，談詩的功能。自小愛詩的許鞍華即使執導多年，仍深深地覺得：「詩是很難講的。」

《奧本海默》近期成為電影熱話，甚至在美國票房與《Barbie芭比》處於角力狀態。藍玉雍認為與其說《奧本海默》是非線性敘事，路蘭更像是先以多線敘事講述奧本海默的⼈⽣，最後歸結成⼀條完整、沒有縫隙但延遲展現的「線性敘事」，加上⾼張壓迫的⾳樂和⾳效，令此片流露着無法安棲於當下的焦慮。

取得金馬獎三項入圍提名的澳門電影《海鷗來過的房間》，像股小旋風掠過台灣、香港，再駐停在它的家澳門，掀起不少有關電影與創作、文字與影像的思考和討論。澳門寫作人李爾早前曾於導演孔慶輝、編劇葉玉君進行對談，提及電影的最初版本，是個瘋狂的黑色喜劇設定，而當《海鷗》接觸過不同地區的華語觀眾群，導演最深刻的是仍是電影在公映期間，直接感受到那種澳門人的感覺。

人是一種很奇怪的生物，除了想要研究世上存在的一切外，也對許多「不存在」的東西感到著迷，且著迷的程度可能往往還比現實中的事物還要來得巨大。《不存在的書》收錄了二十八篇極短篇小說，雖然這樣說，但翻開後會發現裡頭的每一則故事其實都來自於某本小說的片段，可能是小說的開頭，也可能是其中的某個情節，彷彿在逗弄讀者的心一樣，每則故事的結尾都有一種強烈的懸疑感，讓人很想知道後續。但更吊人胃口的是，作者在這裡面為我們介紹的二十八本小說，都是實際上不存在的書。

由香港藝術中心主辦的「第二十八屆ifva獨立短片及影像媒體比賽」，今屆以「本能挖掘純粹內在‧瘋狂世界橫空誕生」作為主題，鼓勵創作者去除雜質，直面內心，創造屬於自己的世界，並將舉行一連串的跨界合作項目，包括本地首次展演的虛擬實境（VR）作品《無舞之間》，並首度增設VR特別獎項，鼓勵本地導演與新媒體藝術家，藉此探索無盡的想像空間與創作可能。

討論舞蹈影像，我們常以影像的角度來觀看舞蹈。若舞者或編舞持攝影機，影像會否有所不同？本屆「跳格—香港國際舞蹈影像節」（下簡稱跳格）的焦點藝術家節目，Daniele Wilmouth與卓翔以電影創作者的位置介入舞蹈與表演藝術；而宋周爰（Song Joowon）與吉開菜央（Nao Yoshigai）兩位舞者，則轉向以影像來編舞，兩組藝術家互為映照。

去年台灣第二十八屆國際女性影展的兩部影片《忽男忽女》（Gendernauts）和《迷幻擬音師》（Passage），前者紀錄美國跨性別族群的生活樣貌，以及延伸出對酷兒運動以及性別身份認同的反思，後者僅有12分鐘，藍玉雍卻認為相當震撼。影片拍攝一名相貌男女難辨的擬音師，裸露全身，運用自己的身體和其他物件，模擬一部無聲影片中，一名少女騎馬時，馬匹行走、吐氣以及馬尾擺動時產生的聲響的紀錄。兩片雖然充滿了詭異的片段，卻改變了人們對性別展演的印象和思考方式。

越南新生代導演黎豹的首部長片《失落之境》，今年榮獲柏林影展評審團特別獎的極高榮譽，在苦行解脫和反烏托邦退化之間，構建出一片穩定又不安的張力之地。導演說，人的本性被激發出來，人才能得到安息，才能相識。味道，不過是一種救贖的儀式。

由《聲韻詩刊》主辦的詩歌活動「詩風電浪」播映會，靈感源自於《聲韻詩刊》旗下的《讀音》。《讀音》於2019年開始，邀請不同詩人到錄音室朗讀他們自選的詩作。池荒懸同時是《讀音》的策劃人，他有感香港經歷過一段寫詩的「黃金時代」，「因為我們不必為誰服務，也不必怕寫了不該寫的東西」，而且，池荒懸指出詩歌不純粹是文字符號的組合，他也愛玩電音，於是生出結合詩和電音的念頭。「詩風電浪」的7首MV中，不少音樂人把詩人親自讀詩的聲軌加入電音。

舞蹈影像作為一種電影的次類型，早已不再只限於記錄舞蹈律動，而是能通過對舞蹈的豐富想像來擴展影像的形態。在港舉辦多年、亞洲最大的舞蹈影像節之一的跳格國際舞蹈影像節，本屆特設名為「表演與紀錄」（Performative Doc）的單元，從放映引伸至藝術展覽，形塑對舞蹈影像更流動的理解。

由香港國際攝影節籌劃的《嘯傲之相：酷兒之影像習作》，請來九位香港LGBTQ+攝影師分享他們歷時一年半的工作坊成果總結，勞緯洛則認為，「酷兒」在今日不單是性別身份概念，為多元認同所作出的抗爭，同時也潛藏著許多對於時代底下的政治事件與情緒狀態的密切呼應。

ifva今年的影像嘉年華遇上疫情，但反而令展示的藝術品更加有趣，一反傳統的展示方式，結合虛擬與實體，擴闊了影像的可能性，有扶乩、有直播、又有單車⋯⋯無論這個週末你想留在家中抑或出外走走，今年的影像嘉年華都可以滿足你的需求。

帆高最後的告白更是讓人深刻體會到這份愛的重量，願為了深愛的人而放棄晴天，其故事意念尤其浪漫。

啊鐵會遠道而來我黃竹坑工作室看片，推我玩瀡滑梯一樣，給我很多意見、想像、對紀錄片的思考。

創作《臉》時的蔡明亮無疑在重施故技，卻為羅浮宮注入了新的意義。

對真實定義得愈實在，這種東西就愈是虛浮和不存在。反過來，真實不是要去定義，而是要去「接近」，這也是我現在辦「香港真實影像協會」的初衷。

香港進入抗爭年代，日本六十年代末的三里塚抗爭與香港的守護菜園村運動相似，於是小川紳介由1968年至1977年期間紀錄三里塚抗爭的七部電影開始走進香港人的視角；大津幸四郎、代島治彥在2014年導演《抵抗的代價：活在三里塚》在抗爭五十年後重訪參與者，就是要探索歷史的現代進行式；到2017年，代島治彥再導演《三里塚：伊卡洛斯的殞落》，在這探索之上再走前一步。

我很同意紀錄片存在一種與史實改編的電影存在不同形式的政治性。以光州事件為題材的《逆權司機》、《逆權大狀》、《華麗的假期》等固然深入民心，但這些電影呈現的不止是歷史背景的共時性（synchronicity），還有富娛樂性的故事，政治性固然存在，但相比起紀錄片，政治的多元性則更豐富，抹去娛樂的追求，就呈現了更真實、更全面的影像，可以從不同的角度探索社會。《金君是誰》聚焦於一個身份不明的金姓市民軍，以不同人對其身份的一個論述，去窺視他們對一場轟動全國的歷史事件的看法。